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viernes, 5 de febrero de 2010

Una Enseñanza de Vida

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"Una Enseñanza de Vida"
Título Original: An Education
Director: Lone Scherfig
Guión: Lynn Barber y Nick Hornby
Elenco: Carey Mulligan, Olivia Williams, Peter Sarsgaard, Alfred Molina, Cara Seymour, Dominic Cooper, Rosamund Pike
UK, 2009


A veces los títulos en español suelen confundir. Si bien en este caso se acerca al título real - no como "Mi pobre angelito" vs. "Home Alone" -, la traducción no es del todo correcta. "An Education" es una película que se sustenta en la idea de uno de mis escritores favoritos. Nick Hornby posee una pluma digna de alabar en donde a través de un dialogo sin bajos, mueve la manivela del argumento en función de una idea con un objetivo simple y preciso: lograr llegar al público. Sus historias caen en lo cotidiano, permitiendo así que el lector se sienta partícipe de ella llegando a sus personajes de manera fácil. Imposible olvidar "Alta Fidelidad" o "Fiebre en las Gradas", ambas llevadas al cine por Stephen Frears y los hermanos Farrelli, respectivamente.

Esta película dirigida por la danesa Lone Scherfig llamó la atención desde su estreno, no sólo por la calidad de la obra en sí basada en un guión potente, sino que a su vez por la tremenda actuación de la joven Carey Mulligan. La directora de "Italiano para Principiantes" (2000) y ganadora del Festival de Berlín, desarrolló en la joven actriz inglesa un personaje que la catapultó a un nivel bastante interesante y en donde se ha mantenido en las nominaciones a los premios más importantes de la actuación mundial. Mulligan, quien comenzó sus pasos actorales cinematográficos el 2005 con la obra "Orgullo y Prejuicio", desempeña un rol fundamental sobrellevando la historia de Hornby y dándole un dinamismo único bajo el carisma y autenticidad que refleja en pantalla. Sin embargo, no es sólo ella quien cumple una actuación notable, sino que también los secundarios se complementan de una forma vital creando así una estructura indeleble en esta película producida por el mismo Hornby.

Gabriel García Márquez, escritor colombiano ganador del Nóbel de Literatura, decía en su libro "Vivir para contarlo" que
tuvo que interrumpir su educación para ir a la escuela. ¿Qué hay de cierto en esto? La educación estructurada y robótica no es la opción para fomentar el alma humana. Cada vez más la educación mundial cae en eso, dejando de lado aquellas experiencias que en realidad hacen crecer a uno. La educación emocional está presente en el día a día, en los viajes, en las experiencias de vida. ¿Qué mejor que conocer el mundo a través de sus propios protagonistas? Viajar... viajar por el planeta, con los sentidos alertas y recogiendo todo para seguir creciendo. La educación no son sólo los años de escuela, no es el sistema que nos ha interpuesto un esquema a seguir; sino que es la vida misma de donde se recogen las vivencias para formar un todo.

"An Education" va en esa línea. Una alerta a lo estándar y elaborado, una vía de escape y una propuesta a un éxito distinto, sin dejar de contemplar los riesgos que eso implica y lo relevante que puede llegar a significar una decisión en la vida. El amor inocente, la vida fácil puede llevar a uno a cometer errores... sin embargo de esos errores es que aprendemos y es de esas decisiones que nos formamos y nos convertimos en seres sabios, en seres con experiencia.


Calificación: 6/7


Trailer de "Una Enseñanza de Vida"


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ESCRITO CUANDO EL RELOJ MARCABA LAS 19:53

viernes, 29 de enero de 2010

ACTIVIDAD PARANORMAL

Actividad Paranormal

"Actividad Paranormal"
Título Original: Paranormal Activity
Director: Oren Peli
Guión: Oren Peli
Elenco: Katie Featherston, Micah Sloat, Mark Fredrichs, Amber Armstrong
USA, 2007


Cuando hace 10 años surgió "The Blair Witch Project" (1999), el mundo fílmico por momentos se quedó pensativo del poder que puede tener un video casero. El marketing gestionado en ese entonces daba a todas luces de que el material era real y que efectivamente lo mostrado en pantalla le ocurrió a un grupo de jóvenes. En esa misma época,llegaba a las pantallas chilenas "Alien Abduction: Incident in Lake County" (1998), la cual también se prendaba de hechos reales para llamar la atención de la audiencia amante de lo desconocido. Sin embargo, la multitud asustada en un comienzo logró reaccionar dándose cuenta de todo el montaje de ficción realizado por los creadores, tomando las cintas como simples momentos de diversión de la misma manera como se predispone uno al presenciar una película de suspenso o terror.

Cuando ya ha pasado tanta agua bajo el puente, los videos caseros ya parecen ser infantiles y no proponen nada novedoso al público. Quizás gracias a los avances tecnológicos y a la accesibilidad de una cámara casera, este tipo de películas se acerca más a un trabajo de colegio que a un formato profesional. "Actividad Paranormal" es una obra que no entrega nada y que sólo funciona por brevísimos momentos, dilatando un final obvio que echa más tierra a la sepultura de este formato obsoleto, pasado de moda y cargado de aburrimiento.

Los actores, desconocidos absolutamente para darle realidad al argumento, desempeñan un noble papel acorde a la estupidez norteamericana sin caer en sutilezas y demostrando lo exagerados y poco auténticos que pueden llegar a ser. Sin embargo, ante este escenario, es un tema de ciencias sociales lograr descubrir el por qué a esta película le ha ido tan bien en su circuito comercial, logrando ganancias estratosféricas en comparación con la cantidad invertida en el film. Sin duda que este dato ha llevado al cine a más de algun personaje - en donde me incluyo -, sin embargo debe existir otro componente que activa el ánimo del público para "gozar" obras de este formato, que por un lado carecen de un lenguaje novedoso y que a su vez son tan poco generosas con el aporte audiovisual.

Las similitudes de "Actividad Paranormal" con la película chilena "La Nana" - que el domingo próximo compite por el Globo de Oro a Mejor Película Extranjera - son varias en torno a su realización. Ambos films fueron desarrollados casi íntegramente en la casa del director, con un formato digital de bajo presupuesto y con actores sin presencia mediatica. Sin embargo, la gran diferencia entre ambas obras es que la norteamericana tiene un sólo propósito: asustar al espectador; en cambio la chilena presenta un argumento sólido, estructurado en torno a actores capaces de ejecutar roles creíbles y con un fin muy diferente: motivar al espectador para que raciocine en torno al papel que cumplen las asesoras del hogar puertas adentro. He aquí la diferencia entre una gran película y una mediocre: entregar un mensaje del cual el público pueda ser partícipe.

Pero si a alguien le gustó esta cinta, puede esperar hasta el 2012 ya que en ese momento se estrenará la segunda parte de esta saga según se afirmó en octubre pasado. Aunque quizás no alcancen... recuerden que ese año se acaba el mundo.


Clasificación: 2/7

Trailer de "Actividad Paranormal"


miércoles, 20 de enero de 2010

TO DIE FOR: LA VENGANZA

To Die For: la venganza de Gus Van Sant

Siempre polémico, a veces clásico y comercial, Gus Van Sant nunca deja indiferente a nadie. Allá por el año 93 fue vapuleado por la crítica y los mass media en general por su adaptación de la novela de Tom Robbins “Even Cowgirls get the Blues”, protagonizada por Uma Thurman. Hasta ese momento su carrera no hacía más que crecer siempre desde los circuitos alternativos y de Cine independiente con “Mi Idaho privado” o “Mala noche”. Pero como ya dije, la malentendida comedia que hizo por aquel entonces estuvo a punto de hundir su carrera de forma estrepitosa. Así que, dos años después Van Sant volvía para dar guerra con “To Die For” (me niego a escribir su estúpida traducción) y de paso vengarse de todos aquellos que quisieron hundirle desde los medios de comunicación. Y vaya si lo consiguió.

Suzanne Stone es una bella mujer que sueña con triunfar en la televisión. Casada con un italoamericano que hereda el restaurante de su padre, Suzanne comienza a trabajar como mujer del tiempo en una televisión local y de paso aprovecha para hacer un documental sobre la opinión de los adolescentes. Pero su ambición es desmesurada y cuando su marido le insinúa que deje la televisión, ella comienza a maquinar un plan para quitárselo de en medio.

Narrada en forma de documental, reportaje televisivo y melodrama ficticio, “To Die For” es todo un ejercicio de estilo que sorprende por su hábil mezcla de innovación y sobriedad. Van Sant demuestra manejar con pericia la cámara y establecer una mordaz crítica llena de veracidad al mundo de la fama y a todos aquellos que aspiran a ella destruyendo a los demás. No deja títere con cabeza el americano en todo el relato paseando a través de la personalidad de esta “femme fatale” que hará absolutamente de todo por triunfar en la televisión porque como ella dice: “si al hacer algo nadie te ve, ¿de qué sirve?”. Hay mucho de macabro en esta película y no es de extrañar que en su partitura se encuentre Danny Elfman, habitual colaborador del tenebroso (e irregular) Tim Burton, que entiende a la perfección el espíritu que el director quiere darle a su pequeña venganza en forma de film.
Me acordé durante su visionado de la obra maestra de Mankiewicz “All about Eve” y es que son muchas las líneas paralelas que se trazan al comparar ambas películas. Se podría decir que estamos ante la actualización (más personal y atrevida, más moderna y desinhibida y a su vez subjetiva) del filme clásico por parte de Van Sant, siempre visto desde su personal mundo en el que destacan los adolescentes inadaptados (aquí representados por un genial Joaquin Phoenix y un limitado Cassey Affleck) y faltos de comunicación. Si bien en la cinta de Mankievizc el personaje de Anne Baxter era mucho más ambiguo y sugerido, dando lugar a equívocos y sospechas; la Suzanne de Nicole Kidman (casi lo mejor de la película) es pura evidencia y morbosidad, maldad en estado puro. La australiana está quizá ante uno de sus mejores papeles, llenando la pantalla cada vez que aparece y aportando a su personaje una evolución tan perversa que asusta.

Una buena película que si bien adolece de ciertas concesiones y elementos cogidos por los pelos en cuanto al desarrollo de los acontecimientos, se convierte en un ejercicio poderoso y satírico sobre la televisión y el poder de los que la controlan. Muy divertida, reflexiva y ácida. Ojo al Cameo, casi al final, del gran David Cronenberg en una secuencia portentosa y bastante macabra. En fin, una muestra del talento de Van Sant, que a veces nos da mucho y otras nos quita aunque no se le puede negar nunca el valor y el coraje que demuestra a la hora de emprender sus proyectos.



El Pianista: Polanski se enfrenta al realismo


POLANSKI SE ENFRENTA AL REALISMO

Ayer mencioné en mi reflexión sobre los premios la edición de los Oscar en la que el gran Roman Polanski fue galardonado como mejor director pero su obra no se llevó el de mejor película. Así que me acordé del film y de que lo visioné hace algunas semanas en mi ímpetu por viajar a través del mundo cinematográfico del polaco y creo oportuno hablar ahora de ella. Sea dicho de antemano que esta película no es grande por los premios que haya ganado si no por el excelente trabajo de su responsable, quien le da una vuelta de tuerca a su curiosa filmografía para rodar uno de los ejercicios realistas más sobrecogedores de los últimos años. Y todo ello después de varios años de capa caída en los que la crítica no hacía más que vapulear sus películas una tras otra, a veces con razón, otras no con tanta. Pero como el tiempo pone a cada uno en su sitio, Polanski dio un golpe en la mesa y dijo “aquí estoy yo” con las desventuras de este pianista judío.

Basada en las memorias de un Wladyslaw Szpilman, famoso pianista polaco, la película cuenta casi en primera persona las peripecias del protagonista por sobrevivir a la invasión alemana. Tras ser separado de su familia, Szpilman vagará por las ruinas de Varsovia tratando de sobrevivir al hambre, el frío y escondiéndose como puede de los soldados alemanes.

Así como la trama se centra en la figura de Szpilman, personaje excelentemente definido y interpretado de forma magistral por el larguirucho Adrien Brody, bien podía ser otro personaje cualquiera el que estuviese enzarzado en tal cruzada individual. Porque aquí lo importante no es tanto de quién hablamos si no de qué y Polanski entiende esto a la perfección porque, al fin y al cabo, va un capítulo de su torturada vida en ello. Recordemos que de niño él vivía en Varsovia y también fue expulsado de su país en busca de la supervivencia, por lo tanto sabe de qué habla y al terrible material al que se enfrenta. Y Polanski, que de narración audiovisual sabe un rato, opta por la vía del realismo alejándose completamente de sus cuentos macabros y fantasiosos, en los que tan bien se mueve para contar el horror (constante en su filmografía) esta vez sin ningún tipo de artificio.
Tiroteos desde la distancia, violencia dura y seca, ausencia de música no justificada, luces casi naturales y siempre presentes en la escena, etc. Esos son los aspectos que se unen con terrible coherencia a lo narrado y siempre desde el prisma de Szpilman. No hay atisbos de dramatismo ni sensiblería, simplemente se nos muestra lo que hay en un alarde de objetividad asombroso. Existen en la película (y así lo afirma Polanski) nazis buenos y nazis malos, judíos buenos y judíos malos. Porque de lo que nos habla al fin y al cabo es de las circunstancias que condicionan nuestras decisiones y actuaciones, que no hay blanco ni negro si no un eterno gris mutable en distintas capas fácilmente corrompibles. Si comparamos las pretensiones e intenciones de esta película con sus resultados nos sale positivo.

Porque Polanski tenía muy claro lo que quería contar y lo hace con sensibilidad, interés y de dentro hacia fuera. Esta película sale de su corazón, de su alma, de su “yo” interno en busca quizá de saldar cuentas con su tortuoso pasado. O quizá no, quizá simplemente pretendía darnos su visión de unos hechos aterradores que no hacen más que subrayar las continuas equivocaciones del ser humano. Y desde ese “yo” interno Polanski llega a nosotros con toda la luz que le aporta su talento y deberíamos dar gracias porque así sea. Grandiosa película, ni más ni menos.


jueves, 14 de enero de 2010

Ne te retourne pas (Marina de Van)


Escrito el 10 de Enero de 2010 en Crítica, Cine Italiano, Cine Francés, Cine Belga, Películas 2008, Cine Luxemburgués por Popeye Doyle


ne te retourne pas cartel película

Dirección: Marina de Van.
Países: Francia, Luxemburgo, Bélgica e Italia.
Año: 2008. Duración: 111 min. Género: Drama.
Interpretación: Sophie Marceau (Jeanne), Monica Bellucci (Jeanne), Andrea Di Stefano (Teo/Gianni), Thierry Neuvic (Teo 2), Brigitte Catillon (Nadia 1/ madre italiana), Sylvie Granotier (Nadia 2), Augusto Zucchi (Fabrizio), Giovanni Franzonni (Enrico), Didier Flamand (Robert), Serena d’Amato (Donatella).
Guión: Marina de Van y Jacques Akchoti.
Producción: Patrick Sobelman.
Música: Luc Rollinger. Fotografía: Dominique Colin.
Montaje: Mike Fromentin.
Diseño de producción: Véronique Sacrez.
Vestuario: Magdalena Labuze.

La directora Marina de Van, para su primer largometraje ha contado nada menos que con Monica Bellucci y Sophie Marceu, dos de la mujeres europeas más sensuales que uno puede imaginar a sus años. La primera tiene 45, la segunda 43, pero al natural presentan un aspecto tan saludable como el que vemos en la foto. Así posaron hace unos meses para la revista Paris Match.

Marceu y Bellucci abrazadas

Vamos al tema que nos ocupa. La película es un thriller psicológico. Jeanne es una escritora especializada en biografías. Un buen día decide escribir la suya propia. El caso es que al editor su historia le parece un paquete, un polvorón intragable, que no hay Dios que lo entienda, por lo que no está por la labor de publicársela. Jeanne recibe la negativa como un jarro de agua fría, pero al mismo tiempo le hace enconarse más en su posición de querer descubrir más de su pasado, pues hasta los 7 años tiene una laguna que tratará de anegar con recuerdos, si es que no pierde antes la cabeza por el camino, porque poco a poco Jeanne va desbarrando, viendo como todo a su alrededor cambia, así ni su marido ni sus hijos, ni su madre parecen ser tales.

Ne te retourne pas poster movie

En una fotografía, Jeanne ve a su madre y a otra señora, que vive en Italia y para allá se marcha Jeanne a tratar de recomponer las piezas del puzzle que la desquician. Y hallará entonces las respuestas a sus porqués. Y esto no siempre es fácil, porque hay hechos traumáticos que provocan un shock de tal magnitud que todo queda en suspenso, hasta que en un determinado momento todo vuelve a aflorar, en la superficie del presente.

Tanto Marceau como Bellucci dan muestra de su buen hacer antes las cámaras y la segunda demuestra su dominio del francés, en este tour de force interpretativo que les hacer ser algo más que bustos parlantes o cuerpos que admirar. La película no es nada nuevo bajo el sol de Flandes pero se deja ver y entretiene.


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La huérfana (Orphan, 2009)

The Orphan cartel película

Título original: Orphan. Dirección: Jaume Collet-Serra. País: USA. Año: 2009. Duración: 123 min.Género: Thriller, suspense, terror. Interpretación: Vera Farmiga (Kate Coleman), Peter Sarsgaard (John Coleman), Isabelle Fuhrman (Esther), C.C.H. Pounder (hermana Abigail), Jimmy Bennett (Daniel Coleman), Margo Martindale (Dra. Browning), Karel Roden (Dr. Värava), Rosemary Dunsmore (Barbara), Aryana Engineer (Max). Guión: David Leslie Johnson; basado en un argumento de Alex Mace. Producción: Joel Silver, Susan Downey, Jennifer Davisson Killoran y Leonardo DiCaprio.Música: John Ottman. Fotografía: Jeff Cutter. Montaje: Tim Alverson. Diseño de producción: Tom Meyer.

Jaume Collet-Serra me sorprendió con La casa de cera, su película anterior, con un final donde todo se derretía y que contó en el elenco nada menos que con la señorita Paris Hilton. Era otra película más de terror con niñatos como protagonistas pero tenía su gracia.

Ahora Jaume vuelve con una película más sobria, para ofrecer una historia que sin salirse de los límites del género ni ofrecer nada nuevo, está lo suficientemente bien hecha como para haber mantenido mi interés las dos horas de duración.
La huérfana que da título a la película es la niña que aparece en el poster de la película, que ya de entrada asusta bastante.
La historia va de un matrimonio con dos hijos que tras la pérdida de un tercera hija poco antes de nacer, deciden suplir ese vacío adoptando una niña, llamada Esther, que proviene de una orfanato ruso.

Bajo esa apariencia de familia feliz hay unas cuantas heridas abiertas que supuran y la hija adoptada, una niña sumamente inteligente, perspicaz y malvada, como melómana que es, sabrá tocar las teclas pertinentes en cada momento para pergeñar una “opera dantesca“, donde todos recibirán su merecido.
Los demonios que anidan dentro de cada uno de los miembros de la unidad familiar, se agitarán al son de la música de Esther, así la madre deberá lidiar con su afición por la bebida, el marido con los cantos de sirena de la infidelidad, el hermano con salvar el pellejo y la hermana con salir de ese estado de postración en el que le deja la complicidad con su nueva hermana.

Con un buen dominio de los resortes dramáticos, y una eficaz dirección de actoress manteniendo un climax constante de angustia, las dos horas que dura la película se ven con ligereza, con varios sobresaltas, en un artefacto perfectamente engrasado que no chirría en ningún momento. Bien, Jaume, muy bien.

Ah, se me olvidaba, la interpretación de Isabelle Fuhrman, dando vida a Esther, es digna de alabanza.


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jueves, 7 de enero de 2010

Gordos (Daniel Sánchez Arévalo, 2009)

Nota: (7.5) 7.5

Gordos

Dirección y guión: Daniel Sánchez Arévalo.
Reparto: Antonio de la Torre (Enrique), Roberto Enríquez (Abel), Verónica Sánchez (Paula), Raúl Arévalo (Alex), Pilar Castro (Pilar), Adam Jezierski (Luis), Leticia Herrero (Sofía), Fernando Albizu (Andrés), María Morales (Leonor), Marta Martín (Nuria), Teté Delgado (Beatriz).
Producción: José Antonio Félez y Antón Reixa.
Música: Pascal Gaigne.
Fotografía: Juan Carlos Gómez.
Montaje: David Pinillos y Nacho Ruiz Capillas.
Dirección artística: Curru Garabal.
Vestuario: Tatiana Hernández.
España 2009

Qué mejor película para comentar un día como hoy, el día de la Lotería de Navidad, que “Gordos”.

La obesidad, o más que eso, el hecho de no estar a gusto con su obesidad, es lo que une al heterogéneo grupo de terapia que llevaAbel (Roberto Enríquez). Pero la obesidad no es la principal causa de los problemas de los protagonistas. En algunos momentos ellos pueden a llegar a pensar que sí, pero aunque estar gordos genere a su alrededor determinados comentarios o desate algunos hechos, no es ni mucho menos lo esencial en sus vidas, a las que pueden enfrentarse de la misma manera siendo delgados o gordos.

Y es que de sentimientos humanos y de la forma de afrontar los hechos a los que los protagonistas se ven obligados a enfrentarse, es de lo que trata la película, por eso se hace tan interesante y no llega a aburrir en ningún momento.

Además, las interpretaciones son geniales. Dirige Daniel Sánchez Arévalo y parte de los actores que aquí dirige ya le acompañaron en su anterior trabajo, Azuloscuroscasinegro. Antonio de la Torre es el que más destaca. Cual Robert DeNiro, se encarga de aparecer gordo y seboso en unos momentos y delgado y con fina figura en otros, como gran parte del reparto.

arévalo y de la torre

Roberto Enríquez y Verónica Sánchez se encargan de poner la parte emotiva en la trama y su relación es la que aporta la mayor parte dramática a la historia, mientras que el resto de personajes se debaten en situaciones tragicómicas.

Ese es el aire que tiene la película, una especie de tragicomedia donde al fin y al cabo el sobrepeso de los protagonistas no llega a ser un problema tan grave. Les acucian otras muchas cosas pero en todas ellas, al igual que con la gordura, su problema es no saber asumirlo, ver problemas que podrían no serlo tanto si aprendieran a vivir con ello.

Y es que nuestra vida es precisamente así, muchas veces los problemas nos los creamos nosotros mismos, cuando perfectamente podríamos pasarlos por alto y evitarlos de esa manera. Pero en normalmente no es tan sencillo hacerlo como decirlo y por más que nos digan que no nos comamos la cabeza pensando en cosas que podrían no tener solución, suele ser más útil ver una mano tendida que nos ayude a andar el camino.


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Bienvenidos a Zombieland: Zombis en el parque de atracciones


Zombieland cartel película

Título original: Zombieland.
Dirección: Ruben Fleischer. País: USA.
Año: 2009. Duración: 88 min.
Género: Comedia, acción, terror. Interpretación: Woody Harrelson (Tallahassee), Jesse Eisenberg (Columbus), Emma Stone (Wichita), Abigail Breslin (Little Rock), Bill Murray (él mismo), Amber Heard (406). Guión: Rhett Reese y Paul Wernick.
Producción: Gavin Polone. Música: David Sardy. Fotografía: Michael Bonvillain. Montaje: Peter Amundson y Alan Baumgarten. Diseño de producción: Maher Ahmad. Vestuario: Magali Guidasci.

Los Estados Unidos están en manos de zombis, apenas hay humanos, y uno de ellos es un joven bastante albardado que ha conseguido salvar pellejo hasta el momento al respetar unas reglas que él mismo se ha creado, a saber; atarse el cinturón de seguridad, mantener buena forma física, no hacerse el héroe, etc, reglas que nos vienen enmarcadas en unos rotulos que permiten iniciarnos en un descojone continuo.

Este pánfilo, de nombre Columbus, conoce a otro terrícola superviviente aficionado a las armas, todo un especialista en despachar zombis que atiende al nombre de Tallahassee. Entre ellos hay química porque uno es un cobardica y el otro se pasa de lanzado. La historia nos la narra el propio Columbus, y no se tarda mucho en conectar con él, un joven con muchas fobias, con poca suerte en el amor, que rehuye de las personas tanto como de los zombis, un antihéroe en toda regla.

En su huída hacia ninguna parte, la pareja, conocerá a dos hermanas muy zorreras y curtidas, Wichita y Little Rock,que se la jugarán repetidamente, pero incluso cuando todo el mundo se viene abajo habrá tiempo para el amor, y para la comedia, porque ante la situación presente, Columbus en lugar de vagar como alma en pena, llorando por las esquinas la pérdida de todos sus “seres queridos”, echa para adelante junto a Tallahassee, quien también ha aprendido a lamerse las heridas, y para quien cada día vivido es una victoria, sin más horizonte temporal que echarse al gaznate unos pastellillos de crema que lo vuelven loco.

Con un ritmo endiablado, diálogos hilarantes, momentazos surrealistas, como la presencia de Bill Murray, y un guión que va más allá de poner a un tipo matando zombis, para tratar otros temas, de manera superficial eso sí, la película resulta entretenida y gamberra a más no poder.


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